Author: garage29
WORK your Pop Star Éclatée – Workshop by Zoé Hagen
FR/EN
13>17.05.24
This workshop is taking place in the frame of the creation research of Durch Den Monsun by Zoé Hagen
Pop star éclatée training is a performative laboratory created by Zoé Hagen, Pierre-Louis Kerbart and Alice Giuliani. This training interrogates the role of pop stars in our personal metamorphoses, in dialogue with our imperfections and fantasies, following the iconic doctrine “Fake it until you make it“.
By exploring our extravagances and vulnerabilities, we’ll create fictional pop star characters, capable of performing on stage, in the shower or at the super bowl.
The week’s activities include karaoke, singing and dancing at the same time, team building, resting like real stars, reinventing ourselves through make-up and fashion fittings. Together, we’ll explore our different shiny/shy alter egos, get goose bumps and be surprised by the power of the weak.
The aim is to share performative tools to create a space for exchange, challenge and fun. The workshop will be given by the three artists, offering flexibility in the languages of transmission (French, English, German, Spanish, Italian). The workshop is aimed at anyone with a pop star hidden deep in their heart, whose only childish obsession is to get out of bed and reveal their virtuosity to the world.
DATES : 13>17.05.24 / 10am >5pm
Selection :
-
- +/- 12 participants selected by Alice, Pierre-Louis, and Zoé. The workshop is aimed at adults with a performative or corporal practice, open to the contamination and questioning of knowledge. For this workshop, we’re looking for an eclectic and complementary group in terms of background, personality, and tools
- Send an email to hagen.zoe@gmail.com before April 21, 2024 at midnight, mentioning your last name, first name, email address, and phone number.Don’t hesitate to mention your specific needs in terms of accessibility.
- Choose the format that suits you to briefly introduce yourself. What does the workshop mean to you? Share with us an anecdote, a song, something that helps us meet you remotely (audio, video, or writing, depending on the format you like) <3
The G.Incubator workshops are free of charge
More about : ZOÉ HAGEN !
Maria Ferreira Silva – GINCUBATOR 2023-2024
FR/EN
Maria est une danseuse qui vit et travaille entre Bruxelles, Lisbonne, Zurich et Stockholm. Elle a commencé son parcours artistique à l’âge de six ans, en se produisant à l’auditorium local dans la banlieue de Lisbonne avec le professeur de danse Fernanda Mafra. Elle est titulaire d’un diplôme de danse du Conservatoire national de Lisbonne (2006) et de P.A.R.T.S. (Performing Arts Research and Training Studios) 2010, avec le soutien de la Fondation Calouste Gulbenkian. En juin 2023, elle a terminé le programme de maîtrise sur les nouvelles pratiques performatives à l’université des arts de Stockholm.
En tant que créatrice, elle co-crée le duo Light as a Feather, Green as an Apple (2010/2012) avec le danseur/chorégraphe Veli Lehtoaara avec le soutien de P.A.R.T.S., coproduction de Zodiak – Center for new dance (FIN) et Theater Malpertuis – Tiel (BE) et présenté à Alkantara Festival (PT), PACT zollverein (DE), Kaaitheater (BE), parmi d’autres. En 2021, elle a mené un projet de recherche artistique, avec le soutien de la Fédération Wallonie Bruxelles et de Charleroi Danse, qui a étudié le concept de plasticité en relation avec le performatif et le chorégraphique, ce qui l’a amenée à ses créations suivantes.
En tant qu’interprète, elle a travaillé avec Willi Dorner, Daniel Linehan, Georgia Vardarou, Radouan Mriziga, Marco Torrice, Anneleen Keppens, Renan Martins de Oliveira, Maud le Pladec, Benjamin Vandewalle, Trajal Harrell, entre autres. En tant qu’enseignante, elle a travaillé pour la compagnie Thor, Charleroi Danse, AORCA, CAMPUS Paulo e Cunha, le Conservatoire Royal d’Anvers et l’Université des Arts de Stockholm. Maria a travaillé comme assistante chorégraphique avec Maud le Pladec, comme directrice de répétition avec Trajal Harrel au Schauspielhaus Zürich et occasionnellement comme œil extérieur pour Alexander Vantounhout et Julia Kraus.
Actuellement, elle développe ses projets chorégraphiques et se produit dans les œuvres de Trajal Harrell. Maria définit sa pratique artistique comme un contenant poreux qui offre un espace à un écosystème vibrant pour émerger de l’intérieur et dans lequel différentes pratiques, rôles et contextes, nourrissent et alimentent son engagement dans le domaine de la danse.
AGENDA
20>24.05.2024 : Residence OPEN
Maria Ferreira Silva est l’artiste que nous aurons en commun avec le WorkSpaceBrussels cette saison. Nous démarrons ainsi notre programme d’échange d’artistes, proposant à un.e artiste en commun chaque saison de construire un calendrier de résidences au wsb et au G29, mettant à profit la spécificité des cadres de travail proposés par les deux structures.
De plus, le wsb accueille en résidence, un.e artiste accompagné.e la saison précédente par le G29,lui apportant une visibilité bi-communautaire en même temps que l’opportunité de poursuivre son projet. Pour la saison 23/24, le wsb accueille ZOÉ LAKHNATI avec Arnold.
AVANT-EN PREMIERE “NO/MAS/SACRE” – Aymara Parola + Lea Petra + Reinaldo Ribeiro
FR/EN
May 31th at 7pm at Théâtre 140
NO/MAS/SACRE is a piece that avoids Stravinksy chitchat and jumps straight into the heat of the action. Directed by Reinaldo Ribeiro in collaboration with dancer Aymará Parola and pianist Lea Petra, it claims the right to anger, virtuosity and “…excess, beautiful excess. A liberating excess, an excess that highlights the repression of a society ” (Angelica Liddell). The performance unfolds within the seemingly classic triangle of piano, pianist and dancer, only to subvert expectations through a dazzling ritual of the playful, the grotesque and the transgressive.
At its core, NO/MAS/SACRE is an exploration of existence at the limits of one’s own body, where movement and sound constantly renegotiate the norms and rules that govern their encounter. Fueled by today’s urgencies, these tensions emerge as a powerful source of affect and turbulence. This deep commitment underlines the importance of creating a piece like NO/MAS/SACRE, imbued with a decolonial, feminist and committed perspective.
Aymara Parola
Aymara studied traditional Argentine folkloric dance, ballet and contemporary dance. Since 2011 she has been performing with the company Ultima Vez/Wim Vandekeybus in different productions. She have collaborated with other artists such a Ayelen Parolin (2017), music maker Ariah Lester (2019), Alexander Vantournhout (2021), presenting the work in different festivals and venues. Aymará is currently, active in the field of dance and performance, as well through multiple roles as an outside-eye-couching for circus companies, collaboration within the visual arts, photography and films.
Lea Petra
Lea studied music at the Conservatory in Buenos Aires, where she obtained her first prize in piano and her master’s degree as a teacher. Since then she has presented herself in the world of classical music and in 1999 after meeting pianist Martha Argerich, she traveled to Brussels where she developed her interest in composition, improvisation and the performing arts. Lea Petra has composed music for various contemporary dance shows, theater, circus, performance and instrumental music in collaboration with the creators: Cie Ayelen Parolin, Cie ZOO Thomas Hauert, Ivo Dimchev, Cie Cincocentrique among others.
Reinaldo Ribeiro
Reinaldo’s work moves between the fields of choreography and the scenics arts. He explores what he defines as 4P concept: the relationship between the political, poetic, personal and pathetic. He has a special interest in an expanded scene and in practices and projects that activate decolonial perspectives. He is co-founder of the collective Lamajara (Barcelona) and co-director between 2013 and 2020. He collaborates as a performer with the choreographer Alexander Georgiev (Bulgaria) and with United Cowboys (Holland). He is an associate artist at Art House (Eindhoven). In his last studies 2019/2020 he did a Master in Scenic Practices and Visual Culture at the UCLM and the Reina Sofia Museum (Madrid).
Concept, direction, choreography: Reinaldo Ribeiro
Performance and choreography: Aymará Parola
Performance and music: Lea Petra
Dramaturgy: Ida Daniel
Lighting design: Alfredo Díez
Costume design: Miguel Olmeda
Scenic space: Víctor Colmenero
Artistic Accompaniment: Carolina Mendonça, Elke Van Coprnhout Production: Beatriz Bello
Sound technician: Andrés Cabrera
Photography: Rubén Expósito Diaz
Graphics: Noelia Varietti
Acknowledgements: Sabina Scarlat, Milan Herich, Dario Barreto
With the collaboration of: FAM Festival, Garage 29, Culture Moves Europe, LundyNamite, Centro Coreográfico de La Gomera (La Gomera) Por Asalto – TEA (Tenerife), Última Vez (Brussels), A two dogs company (Brussels), Auditorio Capitol (Tacoronte), Theater140 (Brussels).
With the support of: Cabildo de Tenerife, ICDC- Instituto Canario de desarrollo Cultural, Generalitat de Catalunya, Instituto Ramon Llull.
AVANT-PREMIERE “O.” – Francesca Saraullo
FR/EN
May 26 at 8pm at Garage29
It’s a return to the POINT. To the point of ORIGIN. “Who am I? Who are we? Based on a personal search for the sacred feminine, I call upon my pelvic matrix. I settle down and open myself to listening. I follow the flow of breath, which becomes sound, voice, song. Body segments become supports that open up personal and universal memory spaces, human and non-human, beyond verbal language. I traverse archaic and surreal landscapes on a transidentitarian journey where unity becomes multiple, where the “I” converges in the “we”.
In this solo, Francesca becomes the guardian of personal and universal memories from the pelvis. Through the magic of words and the power of the pelvic body, she revisits the traditional monologue – centered on a single male subject – to give voice to a plural femininity, starting from singular experiences to include all lives.
Francesca Saraullo
Francesca is an Italian choreographer, performer, visual artist and teacher based in Brussels. With a multidisciplinary background, she graduated in ISAC and AeSP at the Royal Academy of Fine Arts in Brussels, and in Performing Arts and Film Engineering in Turin. She trained in dance, theater and singing with international masters such as Nina Dipla, Raffaella Giordano, Loïc Touzé, David Zambrano and Meg Stuart. She also took part in the highly influential “Transforme, Se prolonger” training course run by Myriam Gourfink (Fondation Royaumont) and in “Atlas” ImPulsTanz.
She has thus nurtured her practice and her curiosity with a variety of languages and approaches, until she has embraced the broad and infinite field of investigation that is the body. Attentive to human beings and their fragility, her research fuses collective practice and individual exploration. She integrates her approach with somatic practices such as Danse Sensible with Claude Coldy and, currently, Fasciatherapy for dance with Anja Röttgerkamp.
In 2017, she created her first choreographic work La Sospesa. This was followed by ANAMNESIS (2019), LUX (2019), Et toi… (2018); and the visual works W. (2020), RACCOLTO (2017), Ballerina (2013), …Since 2020, she has benefited from research support by the Belgian French Community (Charleroi Danse, FWB) by participating, among others, in the residency programs “GINcubator2021”, garage29; “Around a process of making 2022”, Marosi Festival; and “AiR2022”, ŻfinMalta Company.
More information about Francesca
Mise en scène, chorégraphie, performance & vidéo : Francesca Saraullo
Dramaturgie & création texte : Alice Van der Wielen-Honinckx
Création lumière : Eleanor Bryce
Création sonore: Clelia Patrono
Régie générale : Joseph Iavicoli
Soutien à la mise en scène : Ilaria Orlandini, Hélène Gautier
Regard chorégraphique : Stéphanie Auberville, Léa Vinette
Scénographie & costume : Francesca Saraullo en collaboration avec Le Vaisseau de Tournai
Co-production : Gruppo E-Motion
Résidence de création : Danspunt ; Arts Centre VIERNULVIER ; Escale du Nord – CC d’Anderlecht ; Le Vaisseau ; Florian Metateatro ; et d’autres en cours de
recherche | Soutien en cours de demande.
Résidence de recherche (par ordre temporel 2023-2020) : Kunstenwerkplaats ; LeBamp ; Teatre de sa Teulera Andratx ; Spazio Matta ; Zfinmalta dance
national academy («AiR 2022»); Marosi Stromboli Festival («around a process of making 2022») ; Maison de la Création ; CC Garçia Lorca ; Garage29
(GINcubator21) ; Charleroi danse ; Théâtre Marni ; De Kriekelaar GC ; Workspace Ricerca X, Lavanderia a Vapore ; ATLAS, ImPulsTanz
Avec le soutien de : Fédération Wallonie-Bruxelles (bourse) ; Charleroi danse (bourse) ; WBI ; LeBamp ; ILES Artist Project ; Institut culturel italien à Malte ;
Zfinmalta dance national academy ; Workspace Ricerca X.
Tickets
26.05 at 8pm : AVANT-PREMIERE O.
11.05 at 11am : FREE workshop about the pelvis
Sensory and dynamic practice anchored in the pelvic sphere, combining individual, duo and group work. Through sensitive dance, experiential anatomy and improvisation tools, participants will be guided towards subtle listening to the body, rediscovering the spontaneity of gesture and the energetic evolution of movement. Voice and imagery will facilitate pelvic mobility, supported by breathing. Between intimate and collective journeys, the singularity of a dance emerges in an open relationship with the Other.
AVANT-PREMIERE “Abysses” – Jeanne Colin
FR/EN
May 19 at 7pm at Garage29
The audience is gradually invited to enter a dreamlike space where logic fades away. In the manner of a long hypnosis, each person present is led to connect with his or her own experience of dreams and night. By focusing attention on this intimate aspect of life, our fears, desires and vulnerability come face to face with what we can’t explain.Imagined as a long hypnosis, my intention with this solo is to bring each person present to connect with their own experience of dream and night.
As a dancer, I’m betting that our bodies are the silent witnesses of these operations. As a dancer, I bet that our bodies are the silent witnesses of these operations, keeping within them the memory of ancient narratives and nourishing those that are in a state of germination.ABYSSES proposes to bring out the silent rumbling of this unconscious activity. Like a scuba dive, the show goes through several stages. It invites the audience to venture into a world emptied of landmarks, leaving only the body, dance and the invisible it probes.
Jeanne Colin
Graduating in 2014, she tours with the creation of her solo Get out Of The Blue where she defines the rules of a fight against herself in a boxing ring. The challenge is to reintroduce movement into frozen postures. I
n 2017, she began a period of research in collaboration with sculptor and dancer Killian Madeleine. They refined new tools combining dance, drawing and hypnosis. Based on these practices, a creation sees the light of day in 2019: a duet entitled Reception. This piece is conceived as an installation in constant metamorphosis. The space is both in ruins and under construction. Bodies, a snare drum and 200 kilos of clay engage in a sensory dialogue. In a slow, porous continuity, figures from our collective unconscious emerge and disappear.
From September 2021, she will be organizing a free weekly Authentic Movement workshop in Brussels, open to all. She is studying the many issues involved, in particular therapeutic ones, thanks to discussions with Jungian therapist Françoise Bacq. Her work revolves around movement and the unconscious, with a particular focus on dreams. It was from this research that the Abysse project was born.
Choregraphie, texte, interpretation : Jeanne Colin
Conseils artistiques, texte : Thymios Fountas
Regard choregraphique : Baptiste Cazaux et Killian Madeleine
Conception cordes : Emma Cogné
Creation sonore : Maxime Pichon
Creation lumiere : Vera Martins
Coordination technique : Matthieu Verguez
Reprise régie : Aurore Leduc
Credit photos et video : Stanislav Dobak
Subventions : Service de la Danse- Fédération Wallonie Bruxelles-Aide au projet et Bourse de recherche ; Wallonie Bruxelles International ; Kiosk
Coproduction : Charleroi-Danse Centre Chorégraphique de Wallonie-Bruxelles ; Garage29
Soutien et acceuil studio: Charleroi-Danse (BE); Garage29 (BE) ; CG Demarkten (BE); La Ménagerie de Verre (FR) ; Centre National de la Danse de Pantin (FR) ; CG Buda-Courtrai, Micadanses (FR) ; Studio Etang Noir (BE) ; KLAP (FR)
Production déléguée : En Archipel ASBL
Tickets
19.05 at 7pm : AVANT-PREMIERE Abysses
19.05 at 2pm : FREE workshop about sleep
During this one-hour workshop, Jeanne proposes a somnambulistic exploration of the different phases of our sleep. Through a guided, playful meditation, participants will be led to connect with their experience as sleepers, and perhaps even let the movements of their dreams emerge. Afterwards, there will be time for discussion before closing the session.
AVANT-PREMIERE “NO/MAS/SACRE” – Aymara Parola + Lea Petra + Reinaldo Ribeiro
FR/EN
31 mai à 19h au Théâtre 140
NO/MAS/SACRE est une pièce qui évite les bavardages avec Stravinksy et saute directement dans le feu de l’action. Dirigée par Reinaldo Ribeiro en collaboration avec la danseuse Aymará Parola et la pianiste Lea Petra, elle revendique le droit à la colère, à la virtuosité et ” …à l’excès, au bel excès. Un excès libérateur, un excès qui met en lumière la répression d’une société ” (Angelica Liddell). La performance se déroule dans le triangle apparemment classique du piano, du pianiste et du danseur, pour ensuite subvertir les attentes à travers un rituel éblouissant du ludique, du grotesque et du transgressif.
Au fond, NO/MAS/SACRE est une exploration de l’existence aux limites de son propre corps, où le mouvement et le son renégocient constamment les normes et les règles qui régissent leur rencontre. Alimentées par les urgences d’aujourd’hui, ces tensions émergent comme une puissante source d’affect et de turbulence. Cet engagement profond souligne l’importance de créer une pièce comme NO/MAS/SACRE, imprégnée d’une perspective décoloniale, féministe et engagée.
Aymara Parola
Aymara a étudié la danse folklorique argentine traditionnelle, le ballet et la danse contemporaine. Depuis 2011, elle se produit avec la compagnie Ultima Vez/Wim Vandekeybus dans différentes productions. Elle a collaboré avec d’autres artistes tels que Ayelen Parolin (2017), le musicien Ariah Lester (2019), Alexander Vantournhout (2021), présentant le travail dans différents festivals et lieux. Aymará est actuellement active dans le domaine de la danse et de la performance, ainsi qu’à travers de multiples rôles en tant qu’œil extérieur pour des compagnies de cirque, la collaboration dans les arts visuels, la photographie et les films.
Lea Petra
Lea a étudié la musique au Conservatoire de Buenos Aires, où elle a obtenu son premier prix de piano et sa maîtrise en tant que professeur. Depuis lors, elle s’est présentée dans le monde de la musique classique et, en 1999, après avoir rencontré la pianiste Martha Argerich, elle s’est rendue à Bruxelles où elle a développé son intérêt pour la composition, l’improvisation et les arts de la scène. Lea Petra a composé de la musique pour divers spectacles de danse contemporaine, de théâtre, de cirque, de performance et de musique instrumentale en collaboration avec les créateurs : Cie Ayelen Parolin, Cie ZOO Thomas Hauert, Ivo Dimchev, Cie Cincocentrique entre autres.
Reinaldo Ribeiro
Le travail de Reinaldo se situe entre les domaines de la chorégraphie et des arts scéniques. Il explore ce qu’il définit comme le concept 4P : la relation entre le politique, le poétique, le personnel et le pathétique. Il s’intéresse particulièrement à une scène élargie et aux pratiques et projets qui activent des perspectives décoloniales. Il est cofondateur du collectif Lamajara (Barcelone) et codirecteur entre 2013 et 2020. Il collabore en tant que performeur avec le chorégraphe Alexander Georgiev (Bulgarie) et avec United Cowboys (Hollande). Il est artiste associé à Art House (Eindhoven). Lors de ses dernières études 2019/2020, il a fait un Master en pratiques scéniques et culture visuelle à l’UCLM et au Musée Reina Sofia (Madrid).
Concept, direction, choreography: Reinaldo Ribeiro
Performance and choreography: Aymará Parola
Performance and music: Lea Petra
Dramaturgy: Ida Daniel
Lighting design: Alfredo Díez
Costume design: Miguel Olmeda
Scenic space: Víctor Colmenero
Artistic Accompaniment: Carolina Mendonça, Elke Van Coprnhout Production: Beatriz Bello
Sound technician: Andrés Cabrera
Photography: Rubén Expósito Diaz
Graphics: Noelia Varietti
Acknowledgements: Sabina Scarlat, Milan Herich, Dario Barreto
With the collaboration of: FAM Festival, Garage 29, Culture Moves Europe, LundyNamite, Centro Coreográfico de La Gomera (La Gomera) Por Asalto – TEA (Tenerife), Última Vez (Brussels), A two dogs company (Brussels), Auditorio Capitol (Tacoronte), Theater140 (Brussels).
With the support of: Cabildo de Tenerife, ICDC- Instituto Canario de desarrollo Cultural, Generalitat de Catalunya, Instituto Ramon Llull.
AVANT-PREMIERE “O.” – Francesca Saraullo
FR/EN
26 mai à 20h au Garage29
C’est un retour au POINT. Au point d’ORIGINE. « Qui suis-je ? », « Qui sommes-nous ? ». À partir d’une recherche personnelle sur le féminin sacré, je fais appel à ma matrice pelvienne. Je me dépose et je m’ouvre à l’écoute. Je suis le flux du souffle qui devient son, voix, chanson. Les segments corporels deviennent des supports qui ouvrent des espaces de mémoires personnels et universels, humains et non humains, au-delà du langage verbal. Je traverse des paysages archaïques et surréalistes dans un voyage transidentitaire où l’unité devient multiple, où le « je » converge dans le « nous ».
Dans ce solo, Francesca se fait gardienne de mémoires personnelles et universelles à partir du bassin. Par la magie des mots et la puissance du corps pelvien, elle revisite le monologue traditionnel – centré sur un seul sujet masculin – pour donner voix à une féminité plurielle, partant d’expériences singulières jusqu’à inclure toutes vies.
Francesca Saraullo
Francesca est une chorégraphe, performeuse, artiste visuelle et pédagogue italienne basée à Bruxelles. Pluridisciplinaire dans son parcours, elle est diplômée en ISAC et AeSP à l’Académie Royale des Beaux-Arts à Bruxelles, en Arts du spectacle et Ingénierie du cinéma à Turin. Elle se forme en danse, théâtre et chant avec des maîtres internationaux – entre autres, Nina Dipla, Raffaella Giordano, Loïc Touzé, David Zambrano, et Meg Stuart. Elle participe également à la, très marquante, formation « Transforme, Se prolonger » dirigée par Myriam Gourfink (Fondation Royaumont) et à « Atlas » ImPulsTanz.
Elle a donc nourri sa pratique et sa curiosité de divers langages et approches jusqu’à embrasser ce champ d’investigation – large et infini – qu’est le corps. Attentive des êtres humains et de leurs fragilités, ses recherches fusionnent la pratique collective et l’exploration individuelle. Ainsi, ses travaux explorent une certaine universalité de l’imaginaire, du féminin et de la mémoire.Elle intègre sa démarche avec des pratiques somatiques telles que la Danse Sensible avec Claude Coldy et, actuellement, la Fasciathérapie pour la danse avec Anja Röttgerkamp.
Elle crée en 2017 sa première création chorégraphique La Sospesa. Suivent ensuite ANAMNESIS (2019), LUX (2019), Et toi… (2018) ; et les œuvres visuelles W. (2020), RACCOLTO (2017), Ballerina (2013), …
Depuis 2020, elle bénéficie du soutien à la recherche par la Communauté française belge (Charleroi Danse, FWB) en participant, entre autres, aux programmes de résidence « GINcubator2021 », garage29 ; « Around a process of making 2022 », Marosi Festival ; et « AiR2022 », ŻfinMalta Company.
Mise en scène, chorégraphie, performance & vidéo : Francesca Saraullo
Dramaturgie & création texte : Alice Van der Wielen-Honinckx
Création lumière : Eleanor Bryce
Création sonore: Clelia Patrono
Régie générale : Joseph Iavicoli
Soutien à la mise en scène : Ilaria Orlandini, Hélène Gautier
Regard chorégraphique : Stéphanie Auberville, Léa Vinette
Scénographie & costume : Francesca Saraullo en collaboration avec Le Vaisseau de Tournai
Co-production : Gruppo E-Motion
Résidence de création : Danspunt ; Arts Centre VIERNULVIER ; Escale du Nord – CC d’Anderlecht ; Le Vaisseau ; Florian Metateatro ; et d’autres en cours de
recherche | Soutien en cours de demande.
Résidence de recherche (par ordre temporel 2023-2020) : Kunstenwerkplaats ; LeBamp ; Teatre de sa Teulera Andratx ; Spazio Matta ; Zfinmalta dance
national academy («AiR 2022»); Marosi Stromboli Festival («around a process of making 2022») ; Maison de la Création ; CC Garçia Lorca ; Garage29
(GINcubator21) ; Charleroi danse ; Théâtre Marni ; De Kriekelaar GC ; Workspace Ricerca X, Lavanderia a Vapore ; ATLAS, ImPulsTanz
Avec le soutien de : Fédération Wallonie-Bruxelles (bourse) ; Charleroi danse (bourse) ; WBI ; LeBamp ; ILES Artist Project ; Institut culturel italien à Malte ;
Zfinmalta dance national academy ; Workspace Ricerca X.
Billetterie
26.05 à 20h : AVANT-PREMIERE O.
11.05 à 11h : Atelier GRATUIT autour du bassin
Pratique sensorielle et dynamique ancrée sur la sphère pelvienne combinant travail individuel, en duo et en groupe. A travers la danse sensible, l’anatomie expérientielle et les outils d’improvisation, les participant.e.s seront guidé.e.s vers une écoute subtile du corps en retrouvant la spontanéité du geste et l’évolution énergétique du mouvement. La voix et l’imagerie faciliteront la mobilité du bassin en s’appuyant sur la respiration. Entre voyage intime et collectif, la singularité d’une danse émerge dans l’ouverture de la relation à l’Autre.
AVANT-PREMIERE “Abysses” – Jeanne Colin
FR/EN
19 mai à 19h au Garage29
Le public est progressivement invité à entrer dans un espace onirique où la logique s’évanouit. À la manière d’une longue hypnose, chaque personne présente est amenée à se relier à sa propre expérience du rêve et de la nuit. En portant l’attention sur cet aspect intime de la vie, nos peurs, nos désirs et notre vulnérabilité font face à ce que l’on ne peut pas expliquer.
Imaginé comme une longue hypnose, mon intention à travers ce solo est d’amener chaque personne présente à se relier à sa propre expérience du rêve et de la nuit. Tandis que le sommeil paradoxal opère comme une sorte de bondage neurologique, il produit des songes souvent inquiétants.
En tant que danseuse je fais le pari que nos corps sont les témoins silencieux de ces opérations. Ils gardent en eux la mémoire des anciens récits et nourrissent ceux qui sont en état de germination.
ABYSSES propose de faire surgir le grondement muet de cette activité inconsciente. A l’image d’une plongée sous-marine, le spectacle passe par plusieurs paliers. Il invite le public à s’aventurer dans un monde qui se vide de repères pour ne laisser finalement que le corps, la danse et l’invisible qu’elle sonde.
Jeanne Colin
Diplômée en 2014, elle tourne avec la création de son solo Get out Of The Blue où elle définit les règle d’une lutte contre elle-même dans un ring de boxe. L’enjeux étant de réintroduire du mouvement dans des postures figés. D’ouvrir un espace de doute dans une situation à priori reconnaissable.
En 2017, elle entreprend un temps de recherche en collaboration avec le sculpteur et danseur Killian Madeleine. Ils affinent de nouveaux outils mêlant danse, dessin et hypnose. Sur la base de ces pratiques, une création voit le jour en 2019 : un duo intitulé Reception. Cette pièce est pensée comme une installation en constante métamorphose. Elle propose un espace à la fois en ruine et en construction. Les corps, la caisse claire et 200 kilos d’argile engagent un dialogue sensoriel. Dans une continuité poreuse et lente, des figures de notre inconscient collectif émergent et disparaissent.
À partir de septembre 2021, elle organise à Bruxelles un atelier hebdomadaire de Mouvement Authentique gratuit et ouvert à tous·tes. Elle en étudie les enjeux multiples et notamment thérapeutique grâce à des entretiens avec la thérapeute Jungienne Françoise Bacq. Son travail s’articule autour du mouvement et de l’inconscient et pour s’interroger plus particulièrement sur le rêve. C’est à partir de cette recherche que va naître le projet Abysse.
Choregraphie, texte, interpretation : Jeanne Colin
Conseils artistiques, texte : Thymios Fountas
Regard choregraphique : Baptiste Cazaux et Killian Madeleine
Conception cordes : Emma Cogné
Creation sonore : Maxime Pichon
Creation lumiere : Vera Martins
Coordination technique : Matthieu Verguez
Reprise régie : Aurore Leduc
Credit photos et video : Stanislav Dobak
Subventions : Service de la Danse- Fédération Wallonie Bruxelles-Aide au projet et Bourse de recherche ; Wallonie Bruxelles International ; Kiosk
Coproduction : Charleroi-Danse Centre Chorégraphique de Wallonie-Bruxelles ; Garage29
Soutien et acceuil studio: Charleroi-Danse (BE); Garage29 (BE) ; CG Demarkten (BE); La Ménagerie de Verre (FR) ; Centre National de la Danse de Pantin (FR) ; CG Buda-Courtrai, Micadanses (FR) ; Studio Etang Noir (BE) ; KLAP (FR)
Production déléguée : En Archipel ASBL
Billetterie
19.05 à 19h : AVANT-PREMIERE Abysses
19.05 à 14h : Atelier GRATUIT sur le sommeil
Pendant cet atelier d’une heure, Jeanne propose une exploration somnambule pour traverser les différentes phases de notre sommeil. Grâce à une méditation guidée et ludique, les participant·es seront amené.es à se connecter à leur expérience de dormeur·euse et peut être même de laisser surgir les mouvements de leurs rêves. Un temps d’échange est ensuite prévu avant de clôturer la session.
Camille Da Silva – A WAY 2 SESSY
FR/Du 26 au 30 août, Garage 29 accueille Camille Da Silva
a way 2 sessy est une performance dansée qui aborde la notion de sexy à travers le vocabulaire esthétique et gestuel des danses considérées comme sensuelles, sexuelles et érotiques (pole dance, striptease, heels, lap dance, twerk, reggae-dancehall, commercial) tout en s’inspirant des images féminines hypersexualisées véhiculées dans la pop culture et l’imaginaire collectif (popstars, super-héroïnes de comics, personnages de jeux vidéo, figures historiques, icônes burlesque, influenceur.euses Instagram) ainsi qu’en y incorporant des mouvements issus de la danse contemporaine. Fruit d’une collaboration artistique entre Anne-Sophie Delft (styliste) et Camille Da Silva (porteuse du projet et performeuse), il s’agit d’une recherche entre corps et costumes qui interroge le concept de male gaze et tente de réinventer un langage corporel à partir des codes du sexy. L’idée est de présenter une performance physique engagée et hybride.
EN/ From August 26 to 30, Garage 29 welcomes Camille Da Silva
a way 2 sessyis a dance performance that tackles the notion of sexy through the aesthetic and gestural vocabulary of dances considered as sensual, sexual and erotic (pole dance, striptease, heels, lap dance, twerk, reggae-dancehall, commercial) while drawing inspiration from hypersexualized female images conveyed in pop culture and the collective imagination (popstars, comic book superheroines, video game characters, historical figures, burlesque icons, Instagram influencers.euses Instagram) as well as incorporating movements from contemporary dance. The fruit of an artistic collaboration between Anne-Sophie Delft (stylist) and Camille Da Silva (project leader and performer), this is a research project between body and costume that questions the concept of male gaze and attempts to reinvent a body language based on the codes of sexy. The idea is to present a committed, hybrid physical performance.
CREDITS :
Distribution :
– Performeuse et chorégraphe : Camille Da Silva
– Stylisme, conception et réalisation costume : Anne-Sophie Delft
– Assistante à la chorégraphie : Juliette Otter
– Make-Up Artist : Morgane Viennet
– Création musicale : TOGO
– Régisseur·se : en cours
Demandes de bourses et de coproductions en cours :
– Charleroi-danse
– Théâtre Marni
– Brussels Art ¨Pole
– Théâtre de la Vie
CALENDRIER :
– La Raffinerie, Charleroi-danse du 3 au 7 juin 2024
– Garage 29 du 26 au 30 août 2024
Brenda Boote – HANA
FR/ Du 19 au 24 août, Garage 29 accueille Brenda Boote en résidence !
Le Shibari contemporain exprime aussi bien son talent sur un corps, que sur un arbre ou tout autre élément qui l’inspirerait, son but étant de révéler au travers de complexes motifs et nœuds la nature profonde des choses et des êtres afin de montrer leur indicible beauté.
Comment l’accumulation du temps permet-il de créer un nouveau rapport au beau ? Comment le corps de la femme s’inscrit-il dans cette approche ?
Le récit, le corps, la danse et l’esthétique qui s’en dégage servent d’ancrage à un travail chorégraphique et performatif. La pièce parle d’un corps en état de porosité pour faire écho à ses actions.
Pendant le cordage, les cordes accompagnent un travail gestuel et d’invocation des images: une caresse, un acte d’amour, un vomissement, un petit chien. L’intention justement est de convoquer des imaginaires divers et sensibles qui évoquent des souvenirs, qui raréfient le récit.
EN/ From August 19 to 24, Garage 29 welcomes Brenda Boote in residence !
Contemporary Shibari expresses its talent equally well on a body, a tree or any other element that inspires it, its aim being to reveal, through complex patterns and knots, the profound nature of things and beings in order to show their unspeakable beauty.
How does the accumulation of time create a new relationship with beauty? How does the female body fit into this approach?
The story, the body, dance and the aesthetic that emerges from it serve as the anchor for a choreographic and performative work. The piece speaks of a body in a state of porosity, echoing its actions.
During the stringing, the strings accompany gestural work and the invocation of images: a caress, an act of love, vomiting, a little dog. The intention is precisely to summon diverse, sensitive imaginations that evoke memories, rarefying the narrative.
CREDITS :
Production et diffusion : CURIOSAS (basée à Paris)
Partenaires :
Charleroi Danse (Bruxelles)
CN D Accueil de Studio (Paris)
Garage 29 (Bruxelles)
Belgium’s LIBITUM –
Campus Condorcet Aubervilliers (Paris)
La Ménagerie de Verre (Paris)
School of disobedience (Budapest)
La Bellone (Bruxelles)
Port d’attaches (Paris)
CALENDRIER :
JUILLET 2024 Résidence à Garage 29
SEPTEMBRE 2024 À NOVEMBRE
Résidence de création à CN D, Paris, France
Présentation de la practique des cordes à School of disobedencie; Budapeste
JANVIER À MARS 2025
dramaturgie à La Bellone, Bruxelles. Belgique
Résidence de création à La Ménagerie de Verre
Alessya L. Wyss – COCA
FR/Du 14 au 18 août, Garage 29 accueille Alessia L. Wyss en résidence !
Alessia L. Wyss chorégraphe et plasticienne prend deux années pour faire de la recherche.
Elle cherche à chorégraphier les mouvements involontaires. Réflexe nerveux ; réaction de survie ; blocage et décompensation après un trauma ; prise de médicaments ; cheveux chatouilleux ou machine électrique de rééducation post-opératoire ; tous ces éléments sont des déclencheurs de mouvements involontaires. Comment les accepter et les intégrer à notre quotidien ou dans une composition esthétique?
Elle explore les réactions autonomes de son corps accompagnées de collaborateur.euses, danseur.euses, musicien.nes et médecins. Elle invite aussi trois figures en studio, Turan (La Vénus des Etrusques), La Vénus à la fourrure de Sacher-Masoch (son ancêtre) et une anarchiste italienne active dans les années 60 (volontairement anonyme).
Alessia est en formation pour devenir praticienne de TRE (Traumatic Release Exercice). Cette méthode lui permet de développer un vocabulaire de mouvement mais aussi d’aider des personnes sidérées. Elle développe via cette recherche un entrainement (morning training) qui répond à la question: comment sortir de l’inertie ?
EN/ From August 14 to 18, Garage 29 welcomes Alessia L. Wyss in residence!
Alessia L. Wyss, choreographer and visual artist, takes two years to research and choreograph involuntary movements. Nervous reflexes; survival reactions; blocking and decompensation after trauma; taking medication; ticklish hair or electric post-operative rehabilitation machines; all these elements are triggers for involuntary movements. How can we accept them and integrate them into our daily lives or into an aesthetic composition?
She explores the autonomous reactions of her body, accompanied by collaborators, dancers, musicians and doctors. She also invites three figures into the studio: Turan (the Venus of the Etruscans), Sacher-Masoch’s Venus in Furs (her ancestor) and an Italian anarchist active in the 60s (voluntarily anonymous).
Alessia is training to become a TRE (Traumatic Release Exercise) practitioner. This method enables her to develop a vocabulary of movement, but also to help people who have been stunned. Through this research, she is developing a training program (morning training) that answers the question: how do we get out of inertia?
CREDITS :
Collaborateur.ices de recherche:
Gabriela Jimenes, Rosandra Nicoletti, Rafael Arribas Hernandez et d’autres cobayes volontaires ponctuels.
Docteur Daros Oudrhidri Kenza
C’est une création En Archipel (production déléguée et engagée)
FWB bourse de recherche
Impulztantz ATLAS program
Mise à disposition de salle de répétition:
Olla lholla, Tictac Art Center, Chez Georges, C. C. des Minimes, Garage 29.
Crédit image: @allanvermeer
CALENDRIER :
La recherche touche bientôt à sa fin avec encore :
– une résidence expérimentale avec le son et des objets électromagnétiques à Bruxelles
– Et une dernière à Marseille pour clôturer le cycle sur les ondes.
Lola Vera – X THEORIES ABOUT LOVE
FR/ Du 10 au 13 août, Garage29 accueille Lola Vera en résidence !
Dans x theories about love, il y a l’image d’une rivière. Nous sommes au bord de la rivière et nous sommes la rivière. Subtilité et intensité, croisements et échanges. Peut-on théoriser l’amour ? Nos théories sont devenues des corps. Le toucher et le contact, la solitude, la chair, ensembles et à part. Voici quelques-unes de nos théories à propos de l’amour. X Theories About Love est une recherche qui engage un dialogue avec les concepts d’amour profondément ancrés dans nos esprits. À partir d’un récit écrit par le metteur en scène, la pièce sert d’enquête sur les diverses théories de l’amour qui imprègnent notre compréhension. Présentée comme une expérience à multiples facettes, elle se déploie comme un jeu métaphorique, un feu ardent enflammant des émotions variées, et un réseau complexe de relations entrelacées englobant les mères, les sœurs, les amis, et au-delà. Il navigue à travers des scénarios réels et imaginaires, englobant à la fois l’amour comblé et l’amour non partagé. À travers une riche tapisserie de personnages, de sensations et d’expériences, il emmène le public dans un voyage non linéaire, offrant un aperçu de ce que l’amour a représenté pour ces individus jusqu’à ce moment de leur vie.
EN/ From August 10 to 13, Garage 29 Welcomes Lola Vera in residence!
In x theories about love, there is an image of a river. We are bathed by the river and we are the river. Subtlety and intensity, crossings and exchanges. Is it possible to theorize about love? Our theories became bodies. Touch and contact, loneliness, flesh, together and apart. These are some of our theories about love. X Theories About Love is a research that engages in a dialogue with the deeply ingrained concepts of love within our minds. Originating from a narrative penned by the director, the piece serves as an inquiry into the diverse theories of love that permeate our understanding. Presented as a multifaceted experience, it unfolds as a metaphorical game, a blazing fire igniting varied emotions, and a complex web of intertwined relationships encompassing mothers, sisters, friends, and beyond. It navigates through real and imagined scenarios, encompassing both fulfilled and unrequited love. Through its rich tapestry of characters, sensations, and experiences, takes the audience on a non-linear journey, offering insights into what love has represented for these individuals up to this juncture in their lives.
CREDITS :
Les Sudakas collective: Lola Vera, Paz Moreno, Florencia Papaleo Yaccuzzi, Juan Rossi, Gonzalo Rojas Hoffens, Felix Rapela
Music Clelia Patrono
This piece is directed by Lola Vera
CALENDRIER :
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Sarah Gérodez – ECHO(S) – TABLEAUX D’ERRANCES
FR/ Du 5 au 9 août, Garage29 accueille Sarah Gérodez en résidence !
Dans Echo(s) – Tableaux d’Errances, des corps sur scène donnent à voir l’en dessous de nos histoires, de nos vécus. Ce qui vibre à l’intérieur mais reste bien enfoui, ce qui se tord mais reste droit, ce qui se délite mais reste fiable. A quoi ressemblons-nous lorsque nous enlevons nos couches de normativité ? Nos couches de bienséance ? Nos couches de “oui ça va, et toi ça va ?”. Que racontent nos vécus via nos corps quand nous les laissons s’exprimer ? Ce projet s’inscrit dans une recherche que je poursuis depuis plusieurs années et qui prend ses racines dans ma fascination pour l’humain dans toute sa complexité intellectuelle, émotionnelle et gestuelle. Je me passionne particulièrement pour le langage gestuel non contrôlé des corps et aux empreintes que laisse notre vécu sur ceux-ci. Les gestes involontaires et répétitifs, la gestualité liée à une violence subie, liée à certaines coutumes, liée à la fatigue physique ou mentale m’interrogent. Les gestes autres, les traces que laissent les traumatismes… Une chorégraphie de ces gestes est-elle possible ?
EN/ From August 5 to 9, Garage 29 welcomes Sarah Gérodez in residence!
In Echo(s) – Tableaux d’Errances, bodies on stage reveal the underside of our stories, our experiences. What vibrates inside but remains well buried, what twists but remains straight, what disintegrates but remains reliable. What do we look like when we peel off our layers of normativity? Our layers of propriety? Our layers of “I’m fine, how are you? What do our bodies tell us when we let them express themselves? This project is part of a research project I’ve been pursuing for several years, rooted in my fascination for the human being in all its intellectual, emotional and gestural complexity. I’m particularly fascinated by the uncontrolled gestural language of the body and the imprints left on it by our experiences. Involuntary and repetitive gestures, gestures linked to violence, to certain customs, to physical or mental fatigue, all raise questions for me. Other gestures, the traces left by trauma… Is it possible to choreograph these gestures?
CREDITS :
Interprètes collaborateurices : Brenda Boote Bidal / Lara Chanel / Juan Cruz Cizmar / Juliette Mello / Adèle Pion / Laura Stellacci
Création sonore : Julien Mégevand
Mise en scène, écriture et chorégraphie : Sarah Gérodez
© Eva Molina
CALENDRIER :
-Du 1er au 5 avril 2024 au Studio l’Envers de la Compagnie Mossou-Bonté
-Du 5 au 9 août 2024 au Garage 29
-Du 9 au 13 décembre 2024 aux Brigittines
-Du 17 au 21 février 2025 aux Brigittines
D’autres résidences sont en cours de programmation pour l’année 2024.
Partenaires : Fédération Wallonie Bruxelles / Charleroi Danse / Les Brigittines
Julia Färber – LAS GRIETAS SE CONVIERTEN EN RIO
FR/ Du 29 juillet au 4 août, Garage29 accueille Julia Färber en résidence !
Pour son projet Las grietas se convierten en río. / Cracks may turn into rivers,, Julia nous raconte: Une composition inspirée des formes de rivières/ train et de cyphers ; incarné dans ce que nous percevons commes fissures* en chacune de nous. Comme l’individu peut être pluriel, et le collectif singulier, la pièce propose une alternative pour rassembler les deux et reconstruire la mémoire ainsi que l’imaginaire poétique. Proposant une nouvelle perspective de résistance pourrait apporter l’acte de performance incarné, nous avons choisi de l’appeler – Charme/ conjuration /(Conjuro*). Une danse en intégrité, amenant les corps à se battre, voler, jouer, et en transe. Comme nous avons appelé notre mouvement : faire sortir la bête et commander à la bête. Les corps permettent sincèrement de circuler dans un espace de plaisir (gozo) avec résilience et « carnalería » – sororité/fraternité incarné. Basée sur la danse sociale cumbia et les récits de la mobilité humaine latino-américaine, la pièce se concentre sur la culture de rue populaire : Sonidero, un espace au mexiwque auto-organisé pour la danse de rue cumbia à Mexico ; et nous la connectons à une autre réalité de gratuité et de résistance du nord et du sud du Mexique, evocant l´histoire et figure de « Las patronas ».* Viser à recréer différentes manières d’aborder cela comme un nouveau récit pour l’histoire individuelle et collective à travers le corps, qui peut régner sur toutes les langues. Qu’est-ce qui nous rassemble ? Comment pouvons-nous construire une mémoire dans de nouvelles géographies pour des histoires communes ?
*Las Patronas est un groupe de femmes, autogérée de tous les âges qui cuisinent et collectent des fournitures et les jettent au train en passage: “La Bestia” qui vient d’Amérique du Sud et d’Amérique centrale et communément appelé transport industriel, mais qui a été principalement encouragé et usé par les personnes qui migrent et tentent de traverser Mexique et arrivée à la frontière avec les États-Unis.
EN/ From July 29 to 4 of August, Garage 29 welcomes Julia Färber in residence!
For her project, Las grietas se convierten en río. / Cracks may turn into rivers, Julia tells us : A composition inspired in shapes of rivers/train rails and cyphers; embodied in what we perceive as cracks* within each of us. As the individual may be plural, and the collective may be singular, the piece proposes an alternative for them to gather both and re-build memory as well as poetic imaginary. What new perspective for resistance could bring embodied performance act, we chose to call it – Spell /(Conjuro*). A dance in integrity, bringing bodies to fight, fly, play, trance. As we´ve called our moving : to Bring the beast out, and to command the beast. Bodies heartly allow to flow in a space for pleasure (gozo) with resilience and “carnalería”- sister/brother-hood. Based on cumbia social dancing, and narratives of human latinamerican mobility, the piece focuses on basis of popular street culture: Sonidero, a Mexican self organized space for cumbia street dancing in Mexico City; and we connect to another reality of gratuity and resistance from north and south of mexico figures of “Las patronas”.* Aiming to recreate different ways to engage this as new narrative for the individual and collective history. What makes us come together? How do we build memory in new geographies for common stories?
*Las patronas are a DIY women group from all ages who cook and collect supplies and throw them to the train “La Bestia” which comes from south and central america and commonly known as a industrial transportation, but has been mostly fostered by people migrating and trying to cross Mexico and arrive to the border with U.S
CREDITS :
Idée originale et direction: Julia Färber
Créatrices et performeureuses: Florencia Papaleo Yacuzzi, Eugenia Lapadula, Camilo Sarasa Molina, Lola Vera, Mercedes Ferrari, Florencia Martina, Paz Moreno, Nelson Martínez y Julia Färber
Musique. Mixing et composition: Clelia Patrono / José Permar
Visuel/ photographie. Arnaud Beleen / Cecilia Belen
CALENDRIER :
Nov 24′ Résidence à confirmer. BE
Juin 24′ Résidence. Lieu à confirmer Toulouse, FR
Fév 24′ Résidence d’écriture. La Perlita- México (passé)
Nov.-Déc.23′. DeMarkten. BE (passé)
Oct 23′ Tictac. BE (passé)
Joséphine Tilloy – LEONCE
FR/ Du 22 au 26 juillet, Garage29 accueille Joséphine Tilloy en résidence !
Avec Léonce, Joséphine souhaite faire appel à son ancêtre, convoquer cette figure au plateau par le fantasme, la première d’une lignée parfaitement banale. Il y a un cercueil, la reconstruction d’un bout de son environnement avec des objets et des costumes lui appartenant, une odeur de patchouli… Un solo mais aussi un repas à partager et surtout un répertoire de gestes puisés dans les récits familiaux. Elle va la convoquer par le rire, car c’est un peu comme qu’iels communiquent dans sa famille… Il convoque, transmet… un rire de joie, de trouble, parfois moqueur et parfois désespéré… A travers cet appel, elle se rends vite compte qu’elle est finalement en train d’amener sur son chemin, ses tantes, sa mère à travers leurs différents récits…
EN/ From July 22 to 26, Garage 29 welcomes Joséphine Tilloy in residence!
With Léonce, Joséphine wants to call upon her ancestor, to summon this figure to the stage through fantasy, the first of a perfectly banal lineage. There’s a coffin, the reconstruction of a part of his environment with objects and costumes belonging to him, the smell of patchouli… A solo, but also a meal to share and, above all, a repertoire of gestures drawn from family stories. She’s going to summon her through laughter, because that’s how they communicate in her family… It summons, transmits… a laugh of joy, of trouble, sometimes mocking and sometimes desperate… Through this call, she soon realizes that she’s actually bringing her aunts and her mother along with her, through their various stories…