FR/EN

Maria est une danseuse qui vit et travaille entre Bruxelles, Lisbonne, Zurich et Stockholm. Elle a commencé son parcours artistique à l’âge de six ans, en se produisant à l’auditorium local dans la banlieue de Lisbonne avec le professeur de danse Fernanda Mafra. Elle est titulaire d’un diplôme de danse du Conservatoire national de Lisbonne (2006) et de P.A.R.T.S. (Performing Arts Research and Training Studios) 2010, avec le soutien de la Fondation Calouste Gulbenkian. En juin 2023, elle a terminé le programme de maîtrise sur les nouvelles pratiques performatives à l’université des arts de Stockholm.

En tant que créatrice, elle co-crée le duo Light as a Feather, Green as an Apple (2010/2012) avec le danseur/chorégraphe Veli Lehtoaara avec le soutien de P.A.R.T.S., coproduction de Zodiak – Center for new dance (FIN) et Theater Malpertuis – Tiel (BE) et présenté à Alkantara Festival (PT), PACT zollverein (DE), Kaaitheater (BE), parmi d’autres. En 2021, elle a mené un projet de recherche artistique, avec le soutien de la Fédération Wallonie Bruxelles et de Charleroi Danse, qui a étudié le concept de plasticité en relation avec le performatif et le chorégraphique, ce qui l’a amenée à ses créations suivantes.

En tant qu’interprète, elle a travaillé avec Willi Dorner, Daniel Linehan, Georgia Vardarou, Radouan Mriziga, Marco Torrice, Anneleen Keppens, Renan Martins de Oliveira, Maud le Pladec, Benjamin Vandewalle, Trajal Harrell, entre autres. En tant qu’enseignante, elle a travaillé pour la compagnie Thor, Charleroi Danse, AORCA, CAMPUS Paulo e Cunha, le Conservatoire Royal d’Anvers et l’Université des Arts de Stockholm. Maria a travaillé comme assistante chorégraphique avec Maud le Pladec, comme directrice de répétition avec Trajal Harrel au Schauspielhaus Zürich et occasionnellement comme œil extérieur pour Alexander Vantounhout et Julia Kraus.

Actuellement, elle développe ses projets chorégraphiques et se produit dans les œuvres de Trajal Harrell. Maria définit sa pratique artistique comme un contenant poreux qui offre un espace à un écosystème vibrant pour émerger de l’intérieur et dans lequel différentes pratiques, rôles et contextes, nourrissent et alimentent son engagement dans le domaine de la danse.

FR/ Du 19 au 24 août, Garage 29 accueille Brenda Boote en résidence ! 

Le Shibari contemporain exprime aussi bien son talent sur un corps, que sur un arbre ou tout autre élément qui l’inspirerait, son but étant de révéler au travers de complexes motifs et nœuds la nature profonde des choses et des êtres afin de montrer leur indicible beauté.
Comment l’accumulation du temps permet-il de créer un nouveau rapport au beau ? Comment le corps de la femme s’inscrit-il dans cette approche ?
Le récit, le corps, la danse et l’esthétique qui s’en dégage servent d’ancrage à un travail chorégraphique et performatif. La pièce parle d’un corps en état de porosité pour faire écho à ses actions.
Pendant le cordage, les cordes accompagnent un travail gestuel et d’invocation des images: une caresse, un acte d’amour, un vomissement, un petit chien. L’intention justement est de convoquer des imaginaires divers et sensibles qui évoquent des souvenirs, qui raréfient le récit.

EN/ From August 19 to 24, Garage 29 welcomes Brenda Boote in residence !

Contemporary Shibari expresses its talent equally well on a body, a tree or any other element that inspires it, its aim being to reveal, through complex patterns and knots, the profound nature of things and beings in order to show their unspeakable beauty.
How does the accumulation of time create a new relationship with beauty? How does the female body fit into this approach?
The story, the body, dance and the aesthetic that emerges from it serve as the anchor for a choreographic and performative work. The piece speaks of a body in a state of porosity, echoing its actions.
During the stringing, the strings accompany gestural work and the invocation of images: a caress, an act of love, vomiting, a little dog. The intention is precisely to summon diverse, sensitive imaginations that evoke memories, rarefying the narrative.

FR/ Du 22 au 26 juillet, Garage29 accueille Joséphine Tilloy en résidence !

Avec Léonce, Joséphine souhaite faire appel à son ancêtre, convoquer cette figure au plateau par le fantasme, la première d’une lignée parfaitement banale. Il y a un cercueil, la reconstruction d’un bout de son environnement avec des objets et des costumes lui appartenant, une odeur de patchouli… Un solo mais aussi un repas à partager et surtout un répertoire de gestes puisés dans les récits familiaux. Elle va la convoquer par le rire, car c’est un peu comme qu’iels communiquent dans sa famille… Il convoque, transmet… un rire de joie, de trouble, parfois moqueur et parfois désespéré…  A travers cet appel, elle se rends vite compte qu’elle est finalement en train d’amener sur son chemin, ses tantes, sa mère à travers leurs différents récits…

EN/ From July 22 to 26, Garage 29 welcomes Joséphine Tilloy  in residence!

With Léonce, Joséphine wants to call upon her ancestor, to summon this figure to the stage through fantasy, the first of a perfectly banal lineage. There’s a coffin, the reconstruction of a part of his environment with objects and costumes belonging to him, the smell of patchouli… A solo, but also a meal to share and, above all, a repertoire of gestures drawn from family stories. She’s going to summon her through laughter, because that’s how they communicate in her family… It summons, transmits… a laugh of joy, of trouble, sometimes mocking and sometimes desperate…  Through this call, she soon realizes that she’s actually bringing her aunts and her mother along with her, through their various stories…

FR/EN

Are you an emerging performing arts artist or company? Are you looking for a space for reflection and experimentation in addition to rehearsal ? Enter the G.INCUBATOR!

FR/EN

Tu es un·e artiste ou une compagnie émergente en arts de la scène ? En plus d’un lieu de résidence, tu cherches un espace de réflexion et d’expérimentation ? Intègre  le G.INCUBATOR !

30.11.2023 7pm

As movement and performance practitioner, Marcia Liu has recently drawn into the study of the ancient knowledge of body and movement in Chinese martial arts. She is fascinated by the principle of conservation and recycle capacity of energy in this arts. At the moment she is practicing the “internals” of Chinese martial arts and qigong which opens up to embodiment and movement employing the deep fascia and connective tissues in the body. She questions how can we move more powerfully but at the same time more kindly; how can we direct or redirect the others, without using violence (brute force), nor without losing our own ground? Marcia explores creatively how these questions can inform the performing bodies, interact and transform the performance landscapes — the co-presence of bodies in space-time.

Image and sound explorer, Klaas Boelen, creates live cinema where audiovisuals experience can be generated by composition and improvisation of found objects, footages and (sound) recordings. The interaction and tension between live and documentary, theatre and cinema, live performance and audiovisual captures, staged act and real life — are at the heart of Klaas’ artistic expedition. In the residency he would like to open up this creation process to other media such as moving bodies and moving objects.

FR/AN

Vladimir Babinchuk (b.2001, FR) from Portuguese and Ukrainian origins, is a dancer, performer and maker based in Brussels, Belgium. At the age of 18, began a B.A. in Dance and Performing Arts at P.A.R.T.S, of which he graduated in 2022. Vladimir’s work is framed within the practice of nurturing care for one’s body while breaking it apart on the digital level. His research of it has been nurtured by working in contact with the themes of land, soil and its symbiosis with technology. He has previously collaborated with Tamara Cubas in ‘Offering For a Monster’, and has been part of Miet Warlop’s work, “After All Springville”, in the role of the giant. Vladimir has had the opportunity to spend a month in PRISMA, Lisbon (PT), in the context of a residency program, presenting ‘good evening, friends. i’m a vampire’, a work that treats the issue of love within ultra-liberal societies by uncovering ancestral traumas caused by the church.

Eleni Roberts Kazouri (GR, 1998) is a dance performer based currently between Brussels and Athens. At the age of 21, Eleni moved to Brussels to attend the school for dance and performing arts, P.A.R.T.S., and since 2022 she has been a freelancer. During her studies she focused on the development of her own movement, experimenting with diverse improvisational tools and ways of moving through space. She’s intrigued by the different qualities that the human body can manifest, and gets inspiration by music and sounds, in relation to body movement. Eleni has performed in festivals, such as KDF, EXiiiT Festival, and Festival Artonov (2022), creating her own work, participating in different projects, repertories, and creations. She performed the piece “Offering for a Monster” by Tamara Cubas, and since 2020 she has been performing the piece “FLIES”, by Renato Miskolczi, that has been presented, among other places, in WIELS, KANAL-Centre Pompidou Bruxelles and DeSignel, in Antwerp. At the moment, she is part of the new creation ‘Tempo Rubato’ of Tipperary Dance Company, by Alexandre Iseli, which will be toured in Ireland and Tenerife in 2023.

FR/AN

Vladimir Babinchuk, d’origine portugaise et ukrainienne, ayant grandi en France, est un danseur, interprète et créateur basé à Bruxelles, en Belgique. À l’âge de 18 ans, il a entamé un Bachelor en danse et arts du spectacle à P.A.R.T.S, dont il obtient son diplôme en 2022. Le travail de Vladimir s’inscrit dans la pratique d’une attention nourricière envers son corps tout en le déconstruisant à un niveau numérique. Sa recherche a été nourrie par son engagement avec les thématiques de la terre, du sol et de leur symbiose avec la technologie. Il a précédemment collaboré avec Tamara Cubas dans ‘Offering For a Monster’ et a fait partie de l’œuvre de Miet Warlop, “After All Springville”, dans le rôle du géant. Vladimir a eu l’opportunité de passer un mois à PRISMA, Lisbonne (PT), dans le cadre d’un programme de résidence, où il a présenté ‘good evening, friends. i’m a vampire’, une œuvre qui aborde la question de l’amour au sein de sociétés ultra-libérales en dévoilant les traumatismes ancestraux causés par l’église.

Eleni Roberts Kazouri (GR, 1998) est une danseuse basée actuellement entre Bruxelles et Athènes. À l’âge de 21 ans, Eleni déménage à Bruxelles pour suivre des études de danse et d’arts du spectacle à P.A.R.T.S., et depuis 2022, elle travaille en tant que freelancer. Pendant ses études, elle s’est concentrée sur le développement de son propre mouvement, expérimentant différentes techniques d’improvisation et de déplacement dans l’espace. Elle est intriguée par les différentes qualités que le corps humain peut manifester et trouve son inspiration dans la musique et les sons, en relation avec le mouvement corporel. Eleni s’est produite dans des festivals tels que KDF, le festival EXiiiT et le Festival Artonov (2022), créant ses propres œuvres, participant à différents projets, répertoires et créations. Elle a interprété la pièce “Offering for a Monster” de Tamara Cubas et depuis 2020, elle joue
dans la pièce “FLIES” de Renato Miskolczi, qui a été présentée, entre autres endroits, au WIELS, au KANAL-Centre Pompidou Bruxelles et au DeSignel à Anvers. Actuellement, elle fait partie de la nouvelle création “Tempo Rubato” de la Tipperary Dance Company, dirigée par Alexandre Iseli, qui sera en tournée en Irlande et à Tenerife en 2023.

David Scarpuzza multiplie les expériences artistiques aussi bien à la conception qu’à l’interprétation, sur ou autour du plateau, devant ou derrière le micro ou la caméra.

Depuis son enfance, David se forme à la danse et au théâtre. Il intègre ensuite l’IAD (LLN, Belgique). Il y obtient un BAC en Interprétation Dramatique, ainsi qu’un Master en Mise En Scène en 2014. Depuis, il collabore entre autres avec la cie E42, Tgstan x Canine collectif, Ben Fury, Ilyas Mettioui, OHME, Les Meutes, Phos/Phor, Ontroerend Goed, Lara Ceulemans, Clémentine Colpin, Ahmed Ayed, Clément Thirion.

En tant que metteur en scène, il crée en 2014, Ferme t’asseoir et va ta gueule, projet inspiré par la philosophie d’Albert Camus joué in-situ à La Ruche à Schaerbeek. En 2016, il mène au théâtre de la Balsamine un projet de recherche autour des manifestes d’avant-garde, Je pense à la chaleur que tisse la parole autour de son noyau le rêve qu’on appelle nous. En 2019, il co-crée avec Lara Ceulemans RunM*th*rf*ck*rRun, forme immersive et déambulatoire dans le cadre du festival des Blocs à la Cité Modèle de Laeken. En 2020, il développe au See U des laboratoires de recherche pour artistes d’horizons différents s’articulant autour de l’échange de pratiques et de l’univers de A pack, son prochain projet. En juin 2022, il sort son premier projet musical DOLCE VITA qui sera suivi par AGRODOLCE en septembre 2023.

Cette saison, il sera en tournée avec Écume (Knokke-le-zoute) d’Ilyas Mettioui et travaillera activement à l’élaboration de A pack, projet de danse/théâtre.

Après avoir étudié la musique au conservatoire d’Aix-en-Provence (Fr) et la danse chez Rosella Hightower à Cannes (Muse de la danse – Opéra de Nice – Fr), elle complète sa formation à PARTS (Be), puis à l’ULB (Master en Arts du Spectacle – Be).

En 2009, marquée par sa rencontre avec la bruiteuse Marie-Jeanne Wyckmans, elle donne corps à ses questionnements sonores dans un premier solo L.BRUISSE, présenté au Monty (Anvers) et au Purosangue festival (Milan). De 2012 à 2021, l’expérience collective de la compagnie System Failure dont elle est cofondatrice lui permet d’approfondir ces intuitions en 3 spectacles successifs (SYSTEM FAILURE 2013, HUMAN DECISION 2015, INITIAL ANOMALY 2019). Elle a également collaboré avec la Cie Dérivation sur plusieurs projets jeune publics. En 2021, elle expérimente à nouveau la forme solo dans LOOP AFFECT, présenté aux Brigittines, au festival Propulse, à ici c’est Bruxelles, au Rideau à Québec, au Festival Ardanthé à Vanves et joué prochainement au Delta à Namur en mars 2024.

Son travail se singularise par son aspect pluridisciplinaire et donne lieu à des pièces hybrides. Louise attache beaucoup d’importance à rendre sa pratique chorégraphique accessible et c’est par le corps et le langage qu’elle tente d’aborder des thèmes sociétaux avec simplicité, humour et transparence. L’environnement sonore et musical occupe toujours une place essentielle dans sa dramaturgie et l’influence des arts plastiques prend de plus en plus d’importance dans son approche esthétique.

Suite à une période de recherche autour du costume, Louise développe à présent un nouveau projet SOLEIL CONSTANT qui sera joué aux Brigittines en Avril 2024. Sur ce projet, Louise invite plusieurs artistes à collaborer avec elle: la costumière Leslie Ferré, l’interprète Pascale Gigon, l’auteur Sébastien Fayard, le compositeur Marc Melià, le scénographe Donatien de le Court et la créatrice lumière Meri Ekola. Louise pose également les bases d’un premier projet jeune public CHROMATIQUE pour 2025, soutenu par les Brigittines, la Montagne magique et Pierre de Lune.

Anna Kuch works between Hamburg, Brussels and Zurich as choreographer, dancer, pedagogue, puppeteer and actress. In her work she combines the political and the poetic, greatly influenced by poetic, philosophic or scientific texts and research. She aims to liquefy the sovereignity of the mind over the body, and conceives her work as a place of resistance and undoing, a place where norms of thought and perception can be questioned and changed. Her solo works deal with violent nationalism, collective heritage and normalised forms of communication. Slapstick and the inherent tragic and absurd comedy of the human condition inspire her work.

She holds a Bachelor of Arts in Physical Theatre with honours from the Accademia Teatro Dimitri, Switzerland (with the support of Ernst Göhner Stiftung). Her final thesis “The Sausages of Truth” received several awards. Further she holds a Bachelor of Arts and a Master of Arts from the Institut Supérieur des Arts et Chorégraphies, Académie Royale, Brussels.

As a maker, she co-founded the company MÜLLER&KUCH with the dancer and choreographer Angie Müller (supported by Kulturförderung Kanton und Stadt Schaffhausen and Rhybadi Schaffhausen). The tension of their work comes from the deliberate incorporation of unpredictable elements. They toured with two pieces: “Das sagst du immer.” and “Das ist Wahnsinn, du spielst mit meinen Gefühlen.” She also creates masks and objects for several dance and theatre productions, and did the music for the show “Die Bedingte Welt”.

In 2020 she started the artistic research project ‘Performative Archiving / Women* in German Colonial History in Namibia’ with Ewe Benbenek, Nesindano Namises and Meera Theunert (with the support of flausen+ scholarship by the German government). The work is currently being continued digitally as ‘Archiving Immaterialities’. Further she is engaged in an ongoing research about instant creation, developing skills for movement, sound and theatre improvisation on stage with EnsembleSolo, a group of performers, dancers and musicians based in Switzerland.

As a performer and narrator, Anna worked with Meera Theunert, Cathrin Jarema for the Werkschau Zürich, Afsaneh Salari, Project Detachment. and Tianyu Gu, amongst others.

Currently she develops her own choreographic work, holding a research grant from the German government whilst engaging in a Fighting Monkey mentorship. She is also active in the field of performance and dance through dramaturgical support and clown coaching for works in creation.

At Garage29 Anna will be developing her new creation A generous cushion for my aggression (working title).

More about Anna: https://www.annakuch.com/en

Urtė Groblytė is a performer and maker from Lithuania residing in Brussels, Belgium. Her work explores the moments and body states of being on edge, in contact with danger, risk, high intensity, and saturated effort, which requires high presence, listening, and negotiations of strength. Moments of self-loss, and therefore being with the others through negotiation of this sensation. The attentiveness to the pain and the body’s limits is an underlying philosophy and practice behind the different creations she made. The use of objects is an important part of her work as well. They extend, transform, extract from or restrict the body. Most of the time her creations start from the memory of a situation or experience. She wants to “transform the fleeting moments of life into something graspable, something you can hold in your hands, so you don’t forget…” After graduating from a classical ballet school in Lithuania, she went to Folkwang University of Arts in Germany to study modern dance for a year, and after that joined the Training Cycle of P.A.R.T.S.(Performing Arts Research and Training Studios) in Brussels, where she is continuing her Master studies (STUDIOS) at the moment. Next to her studies, she engages in the activities of the collective called LOVEXTENDED, which she was one of the initiators of.

LOVEXTENDED” is a performance collective that formed in 2022. A group met in Brussels during their dance studies and separated in different directions afterward. Now this city is a common ground where they wish to continue working and sharing their artistic practices and processes of creation. One of the first events they did together was three days of performances in Mercerie, Brussels, where they presented three different pieces. The people involved were: Philomene Jander, Ching-Shu Huang, Biret Haarla Pieski, Urtė Groblytė, Judith Dhondt, Victoria Roy, and Luis Miguel Ramirez Munoz.

For now, LOVEXTENDED is building a structure and new ideas for collaboration, one of them being “A LOVELY CONSTRUCTION SITE” (working title), which will be part of this year’s G.Incubator.

Née à Liège en 1989, Sophie Melis est  danseuse et performeuse, chorégraphe et organisatrice d’événements. Après plusieurs années passées à se former à l’étranger, elle vit désormais à Bruxelles où elle est une membre active d’Artist Commons, une communauté autogérée qui rassemble des artistes, danseur·euse·s  et performeur·euse·s autour de l’accès au studio et à la communauté.

L’artiste a un point d’ancrage important dans cette ville, où ont émergé différents projets performatifs et collaboratifs, notamment “You Can Call Me Page” (2018-2019),  une performance durationelle dans laquelle les frontières entre publics et performeur·euse·s se brouillent dans une fête où personne n’est prisonnier…

De manière générale, Sophie s’intéresse à la danse sociale, celle qui rassemble et qui élève. Elle nourrit une passion pour les collaborations en tous genre, une ambition raisonnable de réduction du temps de travail pour tous·tes et un rêve de rendre la vie plus douce grâce à la performance. L’improvisation a une place centrale dans sa  pratique de la danse.

Récemment, Sophie est interprète dans “Ne Mosquito Pas” de Simon Van Schuylenbergh et collabore à la chorégraphie pour “Une tentative presque comme une autre” de Clément et Guillaume Papachristou.

Nino Wassmer est un artiste de cirque et danseur, diplômé de l’Académie Fratellini en 2019. Sa recherche se concentre autour de la manipulation d’objet et son tissage avec la danse et le mouvement, pour en développer une poésie singulière. Fort de sa volonté de se détacher de la démonstration technique du cirque, Nino s’est construit dans l’élaboration d’un langage et d’une dramaturgie de la manipulation d’objet et du geste chorégraphié.

Son travail en tant qu’auteur a été invité dans plusieurs festivals internationaux à Taiwan, en Finlande, Norvège, Espagne, Italie, ou encore Pays-Bas.En tant qu’interprète, il nourrit sa pratique aux côtés de chorégraphes et circographes tel·le·.s que Philippe Lafeuille, Nathan Israël et Luna Rousseau, Michèle Anne de Mey, Jaco Van Dormael, Vittoria De Ferrari Sapetto… Mais aussi pour des marques comme Hermès.